Los japoneses puntean en la tecnología y son una cultura que realmente explota sus alcances creativos, eso lo sabemos de sobra, sin embargo siendo la mùsica una disciplina que en ciertos estilos se nutre de técnica y arte, pocas son las bandas niponas que han trascendido más allá de sus fronteras dando claro ejemplo de su esencia y crisol artístico como raza. Imposible dejar de mencionar los artilugios palpables que son auténticas cajas de sorpresa que además de música contienen textos, imágenes y extras que invitan siempre al tacto y al repaso recurrente.

Dicen que a los niños hindús las historias se las cuentan con el sonido de la Tabla, no les leen libros. Los del Sol Naciente saben que desde sus ancestros, es que conocen al Tigre y el aroma de los lirios a través de sonidos que habitan el aire. Así pues estamos ante gente que vive su origen y entorno en todo lo que hace y esa es la garantía que tenemos los consumidores de cualquiera de sus expresiones artísticas.

Amos en ese don de medir el pulso, los discretos músicos que ahora les platico, son referencia que respira y cronometra emociones.  Me declaro casi siempre antagonista de recopilaciones y compilados “Best Of”, ahora echo mano de uno y lo hago por que después de escarbar e investigar, éste trabajo es un esqueleto por el que transita el flujo sanguíneo de toda la obra de BONDAGE FRUIT.

Noveles en comparación con los grandes dinosaurios del Zeuhl, el quehacer de éste trío (que ha pasado por cuarteto, quinteto y hasta cuasi-orquesta) se reduce a cuatro plásticos incluìdo uno en vivo, prueba fehaciente en donde uno puede experimentar diversos niveles de adrenalina y placer hipnòtico, pero es en este viaje que compacta su historia donde tenemos referencia implícita de aquel ghetto que profesan éstos y otros creativos compatriotas suyos. Eso sì, en èste disco seleccionaron fuera del primer track, lo màs intenso y complejo de su trayectoria.

Hay quien asegura que nunca se toma cafè soluble en la mansiòn de Mr. Nestlé en Vevey Suiza, por lo tanto ¿que podrían aportar los japoneses a una corriente musical espesa y corrosiva surgida en frìos y obscuros cuartos de ensayo franceses? muchísimo; màs allà de consumir y crear lo que se da en su tierra, estos individuos reúnen lo ajeno y le imprimen rúbrica propia, por si fuera poco sépan que hoy día dictan directriz en ésta escuela. Frescos e innovadores en el estilo, como los Ruins, Djamra, Happy Family, Daimonji y un largo etc. lo son en otras vertientes. El cafè soluble sabe a cafè, pero no como el buen cafè. Acà estas frecuencias saben a Zehul y tambièn son de grano, solo que éste sembrado a miles de kilómetros de distancia.

Lo de Katsuy, Natsuki y Hideaki es la Fusiòn y es de avanzada elèctrica, con sonoridades ancestrales, locales y  arraigadas. David Ramírez, pluma reconocida de varias publicaciones subterráneas, citò que la fusiòn es el “accidente que espera ocurrir” y lo define como “el comportamiento de la probabilidad para encontrar, en el otro, el complemento”. En la música unos lo logran otros jamàs; les adelanto que en este trabajo fluye tranquilamente y ademàs es abrazadora.

Sonidos orgánicos y otros premeditadamente manipulados. Cuando Moog desarrollò el sintetizador muchos vieron el final de los dìas de la Guitarra, serìa ésta obsoleta; el paso del tiempo comprueba lo contrario, no solo los artefactos conviven y se complementan; la ideología y las iniciativas suelen ser màs exitosas en lugares antagònicos (aparentemente) y tan recònditos como uno no imagina. El Dj neoyorkino Bambaataa logrò que un par de temas fueran lo màs explosivo y disfrutable dentro del consumismo musical africano; ¿y saben que ingredientes mezcla éste sujeto?, la sòlida barrera teutona de Kraftwerk, con la porosa esponja del Hip Hop. Los riesgos son muchos y sobre todo los saldos son en gran medida decepcionantes, algunos aberrantes, pero los hay también a manos de entes capaces de re-diseñar y exponer con mentes hiperactivas que editan, pegan y reinventan para expresar hibridos interesantes que vienen a refrescar escenas determinadas y que siempre valdrá la pena descubrirlos y hacer juicio propio.

Siempre creo en el factor sorpresa y al haberme extendido en el tema me limito a dar solo una breve referencia a cada track, la que espero invite y despierte en ustedes la curiosidad suficiente para buscar a esta banda y sus quehaceres.

Holly Soller – Asia presente en los oìdos y en la piel, se cuecen lentamente frecuencias a la Neu y un bajo susurra algo inentendible. Las voces desde aquì, ya estàn en contubernio.

Daichi No Ko – Suena a Flock of Seaguls envueltos en un Kimono de hojas de arroz pero con aroma a marihuana. Se desata al paso del segundero una guerra de belleza y furia.

Kinzoku No Taiji – Sinfonismo de alguna película perdida en el tiempo y que parece descubierta por un puñado de entusiastas que la vuelven gloriosa. Alertas, tambièn hay distorsión y denzura.

Hikou Suni Ko – Folk total, pero como de “ojos rasgados”; bajo fretless de doctorado, presencias tribales de todo tipo y un violìn que nos transporta a lo hecho por Shadowfax y gestado en el pentagrama de Matheos; algunos sabràn a lo que me refiero.

Recit – Fripp, Gongzilla, un warr guitar, un xilo, todas estas referencias son imaginaciones personales; seguramente ellos desearon imprimir la postal de un parque colorido y plagado de Ibis, que mas da, está todo tan intrínseco y relacionado….

Mùsica, arreglos, complementos y licuados : Bondage Fruit

Sasaki Hideaki : Direcciòn de Arte y Fotografìa

Kido Natsuki : Organo, Syntes, Guitarras, Producciòn.

Yuji Katsui : Violín, Vocales, Sampleos y Producciòn.

Adjuntos que en uno u otro momento aportaron su grano de arena :

Tamara Kumiko (vibráfono),

Okabe Yoichi (percusiones)

Koenji Aki (voces)

Saga Yuki (voces)

Edición : Julio de 1999

Reune lo fructífero de la banda del ‘90 al ‘97.

OUTER Music.

Completan la colecciòn los Bondage Fruit I, II y III – Recit : Live at IPMF, y el B.F. IV.

Nunca perdamos las oportunidades de probar nuevas y tradicionales fusiones, lo que haya para leer, escuchar, observar y experimentar en general, ya que muchas de ellas son producto de flujos naturales. Los màs despiertos para crearlas y los más dispuestos para presenciarlas. De ahì la buenaventura de compartirlo todo entre afines, y mejor aún, entre los no tanto.

“La mente es como un paracaídas, no funciona mientras no esté abierto”.

Raúl Ulloa R.

El joven jazzista apuesta en la mayoría de los casos por el lucimiento virtuosístico, pero los hay en menor medida que prefieren la fidelidad al estilo. Nacido en 1975 Mauro Schiavone es un pianista superdotado que comanda el trio “Nursery Four” y que en una discreta escena italiana ha podido proyectarse hacia el resto del mundo.

Primero tuve en mis manos esa “música para 24 musicos” dirigida por Francesco Cusa y su alternativa siciliana para cocinar la mente no acabó por atraparme. Mucha gente involucrada, mucha experimentación, y pensandolo bien amerita otras repasadas para sacarle el brillo, ojalá. Viene a tema por que el pianista que ahora nos atañe es parte de esa mega orquesta; pero soy un convencido que lo suyo y en reducido comité es el oasis.

Mauro tiene una escuela espeluznante, además de una codeada con músicos capaces y variopintos, con los cuales al día de hoy comparte además duetos, cuartetos y ensambles. Gran atino, empaparse de rock, musica experimental y del mundo.

“Improvised Music for Imaginary Films” es un tour de force de ejercicios que en su velocidad y complejidad llevan un aura de sentimiento y expresión a flote, ah! pero también hay las baladas regionales que te envuelven en paisajes donde uno siempre quiere pasar la tarde.

En afán de aterrizar más esto, piano, contrabajo y batería son presentados con gran economía sonora, sin necesidad de gestos grandilocuentes; música de esencia respetuosa, sabia y reflexiva que logra el objetivo de sus creadores, sonorizar peliculas imaginarias con lo único que se tiene definido, un guión en partitura y muchisimas escenas por secuenciar. Arte de eliminar lo menos convincente y plasmar lo más brillante y colorido.

El tiempo y la humildad son aliados, este señor y sus comparsas serán actores estelares de los escenarios más importantes del planeta y por que no pensar en que algún día se cruzarán en nuestro camino. Música abrazadora en disco e imagino portentosa en vivo.

En este instante escucho “I soldatini passano” y me bastó la mitad para estar inmerso en una cinta de acción policiaca, de romance arrebatado y de una ficción en blanco y negro. Tremendos instrumentistas, sobre todo creativos.

Que satisfactorio debe ser cuando eres capaz de realizar todos tus caprichos y particularidades a través de la música.

Riájale!! arranca “Spike strikes black” y quedo tendido al primer sablazo de luz obra de una cuerda de su double bass interestelar….

Yo a estos les sigo el paso en espera de nuevos trabajos :

Mauro Schiavone : Piano.

Marko Bonarius : Contrabajo.

Francesco Cusa : Batería.

Improvvisatore Involontario producciones – 2004

Raúl Ulloa R.

La lista es interminable: Han Bennink con Derek Bailey, John Zorn con Michihiro Sato, Don Cherry con Blackwell, Ron Carter con Jim Hall y un larguísimo etcétera. Muchos de mis discos favoritos son obras para dúo ¿cómo olvidar Interstellar Space de Coltrane con Rashied Ali?  Las piezas compuestas para dúo siempre resultan íntimas y transparentes ¿cómo ocultarse cuando se tiene que llenarlo todo? No hay lugar para flaquezas, todo queda a la vista. Se necesita de un gesto de complicidad para hacer un buen disco a dúo.

Los proyectos musicales de Jason Robinson –Janus Ensemble, The Outnumbered o Electro-Acoustic Performance- están cargados de una fuerza difícil de encontrar en algún otro saxo contemporáneo. Robinson, quien ha publicado para Circumvention, Cuneiform y Clean Feed, es acompañado en Cerulean Landscape (clean feed. 2010) por el legendario pianista Anthony Davis.

Con sólo siete cortes, Cerulean Landscape es un viaje cargado de misterio y paisajes que solo se pueden lograr cuando compositores de semejante calaña se embarcan para el mismo destino. El último corte, titulado cerulean seas and viridian skies, es una exquisita mezcla entre clasicismo y vanguardia, una celebración al sonido acústico. Jason Robisnon y Anthony Davis demuestran que el jazz espontaneo es una forma de misterio, un secreto por acorde.

cerulean seas and viridian skies:Download audio file (robinson.mp3)

Jason Robinson-Anthony Davis / Cerulean Landscape (clean feed. 2010)

Jason Robinson: Sax tenor, alto y soprano. Flauta.

Anthony Davis: Piano.

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Pedro César Beas

@dijazzradio

Un trombón, la marimba, un bajo acústico, vienen a la mente en un formato sonoro con ciertas caracterisitcas, las habituales por decirlo así. Cuando un quinteto de animosos que sabemos de entrada lo deconstruyen todo toman estos instrumentos (entre otros), no hay de otra, de ahí somos, la curiosidad siempre mata, no nomás al gato.

Jasón Robinson, filósofo de profesión y la música como un segundo plano de desarrollo personal, es un reconocido intermediario en los dialogos del jazz con la musica popular, experimental y electrónica, bueno, un tipo así tiene por ende que rodearse de afines que tengan algo de aventureros, pero que al igual dominen el equilibrio que les permita no rebasar ese límite al que muchos escuchas le tiene desconfianza, incluso terror.

Aquí la cosa esta más que nivelada.

“Mucho más que matemáticas”. Justamente entre ayer y hoy me refinaba yo el nuevo plato de unos maestros absolutos de la geometría fractal en el metal extremo, así pues cuando retomo este album que ahora atañe, inmediatamente al primer corte ya estaba yo adentro.

Algunos músicos afirman que solo aquello que cuesta trabajo y esfuerzo nos es después “gustoso”, puede ser, pero también lo complejo puede no ser un dolor de cabeza y lo disfrutable flota por sí solo desde el proceso de creación y cuando llega a los odios de sus consumidores.

COSMOLOGIC tiene mucho de esto. En su ofrecimiento “III”, por que me queda claro que esto lo hicieron para ponernolos en el plato y no para ser minuta de un ensayo efímero que irremediablemente se esfuma para nunca volver.

Todas las piezas son diferentes, eso de entrada se agradece; y retomando los ejercicios matemáticos, el festín de polirritmias y los espadazos cruzados son el ejercicio de gimnasio de este quinteto fortalecido en el buen gusto y las ganas de no hacer lo mismo a cada rato.

A veces da coraje que personajes de esta talla sean tan modestos y es por que la musica es una autentica maravilla con su dosis de misterio; y me refiero con modestia a su proyección como instrumentistas, ya que imaginar verlos en proyectos más ambiciosos y expansivos sería muy disfrutable. Eso es para uno, seguramente a ellos en nada les interesa esta sopa mental.

Nada más que abundar en un trabajo que reune ambas facetas, la de músicos de oficio que conocen el lenguaje tradicional del jazz y cargan sus intrumentos comúnes y corrientes en las manos; la otra, que ya encarrerados hacen lo que les pega en gana y se alejan de ser músicos de época, lo son solo de espacio.

Un disco que sin duda hará las delicias de los aficionados a la vanguardia.

Les comparto a los autores, lúcidos en el trabajo temático, un sentido amplio del tempo y, sobre todo, contención y explosión sonora , contención y explosión….

Ah! se me olvidaba, son estadounidenses, reunidos en San Diego :

Jason Robinson : Sax Tenor, Clarinete bajo y Percusiones.

Michael Dessen : Trombón y percusiones.

Scott Walton : Bajo Acústico.

Nathan Hubbard : Set de Bataca, Marimba, Glockenspiel y Percusiones varias.

Al School : Guitarras eléctricas y acústicas.

Circunvention Records – 2005

Raúl Ulloa R.

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Walkabout es un rito de iniciación de los aborígenes australianos.  Durante seis meses, generalmente en su adolescencia, los aborígenes se internan en el desierto con un solo fin: rastrear los caminos ancestrales y conectar con el pasado para después plasmar las rutas, y sus respectivos sueños, en canciones tradicionales, historias, bailes o danzas.

La romántica idea y mística  del walkabout australiano no sólo dio título al nuevo disco de Federico Squassabia, sino que lo llevó a crear una serie de composiciones en las que la sonoridad está íntimamente ligada a lugar, sueño  y personaje. Es así como Ámsterdam, Venecia, México y hasta Ernest Hemingway toman forma sincopada y encuentran su textura.

Squassabia  hace de Walkabout un cuaderno de viajes para trío, una ruta donde los caminos se van pintando en brochadas y como en cualquier viaje digno, se cambia de ruta en el momento menos pensado. Con Nelide Bandello patrocinando elegantes baquetazos y el chile de todos los moles Danilo Gallo haciendo con el bajo lo que solo él sabe hacer, los nueve cortes de Walkabout dan razón a la famosa línea de Pessoa “…los viajes son los viajeros. Lo que vemos no es lo que es, sino lo que somos”.

shall we dance? (faenza and pamelas dancing):Download audio file (federico.mp3)

comprar en itunes: aquí

Discografía de Federico Squassabia:

2005-Strano Scomposto-Workout Quartet Music Center
2007-Indie Mood-CHANTSONG ORCHESTRA-Felmay ..
2008-Feet of Mud-FEET OF MUD-Improvvisatore Involontario.
2008-ANTIVATICAN COALITION AGAINST THE HIPPIES RESISTANCE-Improvvisatore Involontario..
2009-NAKED MUSICIANS -Emiliano Culastrisce- Improvvisatore Involontario .
2010-Songlines-Federico Squassabia WALKABOUT-Trovarobato-Parade.
2011- “To the Infinity and Beyond”-JA VIGIU PLAMJA-El Gallo Rojo Records

Digan lo que digan, en los últimos años, décadas tal vez, salvo contadísimas excepciones de Estados Unidos -Chicago, California, Nueva York-  ha sido Europa el mejor laboratorio para la música improvisada. Es allá donde se han cocinado los mejores ensambles de jazz contemporáneo. La música libre en aquellas tierras ha encontrado más exponentes y escuchas que en cualquier otra parte del mundo. Por lo menos así lo demuestra la nada pequeña producción de material original.

Según Enzo Carpentieri el proyecto Evreywhere Is Here comenzó una mañana con una sesión de música improvisada. Sin objetivo en mente. No hubo reglas ni de tiempo ni de forma; la mira estaba puesta en la improvisación sin importar el caminio.

Everything Sara, el primer corte del disco, explota con la trompeta del chicaguense Rob Mazurek y la agresivdad rítmica de Enzo Carpentieri. Después de los primeros cinco minutos el disco muta y se concina a sonoridades atmosféricas que sólo saben conquistar los de la calaña de Stefano Senni, Enrico Terragnoli y Danilo Gallo.

Everything Sara:Download audio file (enzo.mp3)

La llamada música libre sólo tiene dos probables resultados: el desastre o lo mágico. Everywhere Is Here son catorce temas bien logrados que ponen en manifiesto la calidad de los músicos, a los que poco a poco  se les ha ido etiquetando como la nueva realeza de la música libre.

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Enzo Carpentieri / Everywhere Is Here (ZeroZero Jazz. 2011)

Rob Mazurek: trompeta. Enrico Terragnoli: guitarra, banjo, maracas, armónica. Stefano Senni: bajo (izquierdo). Danilo Gallo: bajo (derecho) Enzo Carpentieri: batería, percusión, gamelan

ZeroZeroJazz

Hay músicos atemporales y uno de los motivos que me mueven a retomar esta añeja reseña que hice a uno de ellos y compartirla en este espacio con ustedes, es precisamente por su vigencia creativa y por ser uno de los personajes más disfrutables que haya probado en la música y vaya si los cuento con los dedos de una mano.

Aquì la médula està en los pensamientos, en las sensaciones, en la manera de aterrizar osadìas y en la fórmula para interpretar en vivo, casi imposible de replicar. Propónganselo y serán testigos de estas opiniones mías, solo echando mano del material de este personaje.

Hago referencia a un auténtico virtuoso nacido en Brasil y que haciendo magia en equipo a la usanza de consagrados como TOM ZÉ y GISMONTI, éste sujeto le ha dado a la mùsica contemporánea una vitalidad, frescura y visión realmente envidiables, más aún su originalidad.

Con un antecedente en directo salido de un dvd y un par de grabaciones ya bien digeridas, lo que me fue revelado como siguiente paso fue letal y salidos los créditos en la pantalla quedé con marca indeleble en mi búsqueda de asuntos que me sorprendan. Sea de paso, ese Dvd inicial se llama “Incité” y es un registro de él, Yusa una tremebunda bajista cubana y Ramiro el percusionista argentino y que con pocas horas de ensayo estallaron el escenario de un festival de avanzada en Francia, dejando en claro que el lenguaje musical que nato corre en la sangre, encuentra en sus afines un discurso ajeno a tiempos, distancias y entornos. No tengo duda en este momento que ha sido lo mejor que he visto salir de una pantalla en cuanto a conciertos se refiere.

LENINE el pintoresco instrumentista, compositor y cantante que se encuentra en envidiable momento siempre, accediò a un recital acùstico para ser emitido en el MTV Carioca. Captado de manera profesional, la transmisiòn grabada cayò en manos de un sujeto Cubano y sin saber de què manera pero llegò al aparato de un consanguìneo y de ahì la experiencia que ya es ahora todo un suceso.

Describo brevemente su quehacer, el tipo compone fenomenalmente, escribe letras sublimes y ejecuta en vivo de una manera indescriptible; aplica aquí lo trilladísimo de “ver para creer”. Música inetiquetable y que cabe en toda vertiente y a la vez no tiene cabida en los estándares abúlicos del mainstream.

De lleno en la noche grabada para MTV latino, le acompañaron invitados de lujo (como èl mismo afirma), asì pues vemos hacer de las suyas a gentes como Igor Cavalera (Sepultura), la paisana Julieta Venegas, y el mismìsimo Richard Bona, el “todólogo” que no necesita mayor carta de presentación. Imaginen pues este caldo de cultivo que al final explota en una sesiòn con orquesta de cuerdas y metales y donde ya la estancia es en el Cielo.

Les dejo en enlace dos videos, uno del mentado acústico y el otro de su hazaña a Trío en Francia.

Un fuera de serie. Gracias inmensas a la mùsica por ello.

Raúl Ulloa R.

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Michael Dessen Trio, Forget the Pixel (clean feed 2011)

Sé que lo he dicho un millón de veces y lo repetiré ahora: hablar de música es una de las cosas más absurdas. La música hay que escucharla y dividirla en dos grandes categorías: la buena y la mala. Si la música conmueve, remueve sentimientos profundos, deja exhausto, regala sonrisas o pone a llorar, entonces es buena. La primera vez que escuché Forget the Pixel iba en el carro. Conforme el álbum iba avanzando me iba sintiendo mejor, al punto que tuve que detener el auto. Las calles eran el caos de siempre. Los carros se aventaban unos a otros, como siempre. Pero la música bella estaba ahí. A mi alcance. Y no importó nada más. De entonces a la fecha, en el transcurso de un mes lo he escuchado por lo menos veinte veces. Y no me canso. Dessen es uno de esos compositores a los que hay que seguirle los pasos muy de cerca, si es que uno, claro está, es de esos a los que les gusta sentirse rejuvenecido después de un buen set de improvisación colectiva

Forget the Pixel es un disco con siete temas que fluyen de forma continua. Música para ser tocada de principio a fin, cerrando círculos y abriendo posibilidades infinitas a la interacción sonora. De alguna manera, desde sus notas iniciales hasta su conclusión, la obra se presenta con cierta fuerza inteligentemente prevista, como si Dessen hubiera querido descontaminar su trombón de la solemnidad para dar rienda suelta a los sonidos más primitivos y apasionados.

Acompañado de Dan Weiss en la batería y Christopher Tordini en bajo, Michael Dessen se hace valer de su trombón y la producción electrónica para adentrarse en un viaje lleno colores y texturas que sólo se logran al reunir a quienes dominan el arte de eso que llamamos música libre.

The Utopian Tense of Green:Download audio file (greenExcerpt.mp3)

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Michael Dessen (trombón) es compositor y maestro en nuevas técnicas de creación musical.  Explora los alcances de la improvisación telemática, en la que varios músicos en diferentes espacios tocan al mismo tiempo a través de redes de Internet. Ha publicado con el sello Clean Feed, Cuneiform y Circumvention. Es profesor de la Universidad de Irvine California en donde imparte la maestría en Composición Integrada, Improvisación y Tecnología.

Web de Michael Dessen

Pedro César Beas

Se postra uno en el sillón y como la intriga augura resultados insospechados, los audífonos son la única vía para no perder ningún detalle. Corre el primer track “I Can’t Hear You”, pero a mis oídos es “I Don’t understand nothing….y no es para menos, Hectorín y Sandra te preparan para uno de los viajes más nauseabundos y a la vez encantadores a los que te hayas sometido.

Percusiones tribales, ondas de radio y una voz de seda, dibujan desde ya la apoteosis.

Para no clavarnos y perder objetividad se trata de un ejercicio evocador a un sin número de cintas cinematográficas, policiacas y de ficción, esto a mis sentidos, ya que probablemente la intención original de la dupla era estilizar lo más bizarro de Fellini; solo ellos saben.

Concluyo que son contadas las veces que un álbum me mueve a referir algo sobre cada una de las rolas y no hacerlo de manera global, éste es uno de ellos y lo hago para soltar lo que traigo fresco y que mejor si compartiéndolo con quienes leen, los empujo un poco para que se hagan de este disco y sumen además sus propias conclusiones.

“En Channel 12″, el segundo corte, un encontronazo de buenos y malos da como saldo una balacera despiadada y ese ir y venir de tiros a mano de saxos en ambiente tenso, nos aleja de cualquier complacencia y es precisamente ese sometimiento abrupto el que termina por meternos en un entorno abrasador. Gracias, gracias Doña Dillon, gracias Zazou.

“Her Eyes are a Blue Million Miles” – Post caos, ya en un Bar la poca luz incita a Sandy a deleitar con sensual baile y beats hipnóticos a su héroe protector, justicia al fin y al cabo. Pero oh! sorpresa, la presencia del Santo y las Momias no se hace esperar en ese ambient que impera en “Still Moving in Fear”, un respiro reconfortante en el trayecto y sonoramente familiar.

Aquí no hay pie a descanso; con extensos minutos de química irreverente y dentro de la misma “Still Moving…se da paso a una pleyade de ejercicios con la batuta prestada de Ligety, y con esbozos de aquellos alientos que hicieran famoso a Reich. Imaginen como se esta poniendo el asunto. Me llevo las manos a la cabeza y sigo agradeciendo….

¡No es posible más!, eso cree uno; en las dos partes de “Sandwiched”se raya la pista y la Dillon insiste en cantar por encima de todo, no hay quien le quite el micrófono y sus co-equiperos no les queda de otra que disparar complejas frecuencias de midi-explorers y rhodes para abatirla si, pero solo momentáneamente.

“Excuse Me (If I’m Sad)”, no , no hay problema….vas!.. (también hay miel sobre ojuelas!!); una absoluta belleza.

Siguen brotando alternativas y recursos a pasto, neta, neta difíciles de describir, harmónicas, trompetas y trombones, guitarras napolitanas, clarinetes y flautas, contrabajos y hartos loops, todos pasando aduana ante la tiranía de Zazou, pese a que aquellos sonidos vienen gestados en las mentes de Ribot, Mastelotto, Yvinec, Pion, Rieflin y Goulach, por citar algunos de los invitados a este Bendito desmadre. Solo aderezos definitivamente, ya que la esencia y sazón del combo es solo del Patrón. A cuadrarse bellacos!

Finalmente, sí, aterrizamos y vaya si baja uno un par de kilos de seso; el cierre con  “Squawk #2″ no es más que la abrupta toma de una peculiar Filarmónica a manos de la nave matriz en aquel encuentro cercano del tercer tipo. Tan, tan.

Grabado en Londres, Paris, Seatle y Los Angeles, el rompecabezas parece retomar aspectos regionales que ya en el taller, ha de haber costado horas neurona para amalgamarse, como todo buen bagaje cultural al que nos tiene acostumbrado este hombre orquesta.

Oblicuo, atravesado, enredado y obtuso, pero con una suculencia en la elección de sonidos y en su manejo mismo, éste trabajo del 2000 editado por la First World es una verdadera joya para cuando el tedio nos vuelve a hacer  presa y la única salida es una fresca marejada de imposibles; siendo así, ahí queda en el librero para cuando sea necesaria otra terapia de sillón, de la cual sabemos algo con seguridad, nos levantamos con 8 pilas de las gordas y con los parpados pegados a las cejas. Una opción para vitaminarse gente.

“Las Vegas Is Cursed”  – Héctor Zazou & Sandy Dillon

Raúl Ulloa R.

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Probablemente sea la única reseña que haga yo trayendo a tema e iniciando con la prueba de sonido. Las gentes de la Sala Chopin enviaron un par de pianos, un Steinwey & Sons y un Petrof, éste ultimo bastante cascado, bien dicen que el que es genio no es quisquilloso en la herramienta y un ejemplar a modo es el personaje que iba a subirse aquella noche al banco, ah! hablando del banco, le faltaban como 5 tornillos ya que bailaba de un lado a otro y rechinaba desquiciantemente. La tensión en esos momentos para los privilegiados que estábamos ahí es indescriptible y además la vergüenza ajena por ese aspecto logístico de paisanos. Por su puesto que el detalle ponía en peligro la realización del concierto.

Solucionado el problema (y no fue otra cosa que lo comentado arriba), el protagonista decidió que aquello era percata minuta y lo importante era trascender en el escenario con lo que se sabe dotado. La mediocridad y acto irresponsable de algunos pasó a último término y con solo 15 minutos de retraso lo vivido aquella noche fue suficiente para marcar a éste como el mejor concierto que he experimentado en carne propia y donde sigo convencido que ese podio va pa’ largo. Impredecibles y apoteósicos hechos de manos de un personajazo como EGBERTO GISMONTI.

Bien podría extenderme horas escribiendo sobre lo que éste prominente instrumentista logra con el piano y la guitarra, pero eso es lo de menos, la capacidad creativa y su musicalidad es algo que siempre habrá de exaltarse como alcances artísticos del humano.

Esa guitarra y ese piano son mera casualidad, cualquiera que fuera el instrumento es el conmovedor sonido y ese virtuosismo salvaje del brasileño lo que logra dejarte petrificado, sin parpadear y sintiendo en el cuerpo emociones que solo la bendita música nos tiene reservadas. Quienes entienden la diferencia entre un cantante y un cantaor sabrán la manera de aproximarse a un individuo que esta por delante y por arriba de épocas, estilos, cánones y colegas de oficio.

Lo que más me movió en el 2011, respetando la regla “5” y sumando al podio las medallas de alpaca y latón,  se valen los “en vivo” ¿por qué no?  Sin orden específico va :

CRAIG TABORN – “Avenging Angel” :  Siempre atrapa y enloquece al escucha con hibridos fascinantes y equilibrio entre lo electrónico y lo organico, ahora saca otro as bajo la manga, solo de piano al que no deben dejar engañarles por su belleza, es retorcidamente fraguado.

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MATTHEW SHIPP – “Art of Improviser” : Contenido implícito en el título. Master Shipp descosiendo el edredon.

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ALEUCHATISTAS - “Location Location” : Kaiser y Rowe, me fascinan. La matemática del rock de avanzada y el jazz experimental llevan la misma sangre. Para disipar dudas :

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HANK ROBERTS – “Everything is Alive” : Winter & Winter arropa al disfuncional chelista que tiene empatía con Frisell y Wollesen. Desafortunadamente nada aún subido en youtube; este otro registro reciente les dará un aire de por donde va la cosa.

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LIM – “Lim with Marc Ducret” : El más impredecible de los guitarristas galos (escuchen esa mosntruosidad llamada ”Detail”), se quita el saco de lobo solitario y empeiza a ser más sociable. Discazo.

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En espera de un 2012 inmejorable en éste y todos los sentidos.

Raúl Ulloa R.

Instituto de Neurociencias de la Jolla
San Diego California 13 de enero de 2012
Batería: Han Bennink
Bajo: Mark Dresser
Violín: Mary Oliver
Trombón: Michael Dessen

Han Bennink puede hacerlo todo con un par de baquetas. Bennink es irreverente y tiene la habilidad de convertir su batería  en una metralleta que dispara y dispara sonidos sin parar.

El baterista Han Bennink nació en Holanda en 1942. Su primer instrumento fue una silla. Cuando niño, su padre, músico de orquesta, le regaló su primer juego de percusiones. Han, enamorado de sus tambores y tarolas nunca desaprovechó la oportunidad para sacarle ritmo a la superficie más insospechada. Según Han, de todo se puede hacer ritmo. Hoy a sus setenta años Han se siente orgulloso de seguir cuadrando ritmos con sillas o con cualquier cosa que se le ponga en su camino. En los años sesenta tocó por toda Europa con figuras de la talla de Sonny Rollins, Ben Webster, Wes Montgomery o Johnny Griffin. Con Dolphy grabó el exquisito Last Date (Fontana 1964) y con Dexter Gordon quedó inmortalizado en Live at The Amsterdam Paradiso (Affinity 1969) Al mismo tiempo, Han Bennink participó en la creación de la escena de Música Improvisada y Free Jazz de Europa. Formó con Misha Mengelberg, en 1967, el colectivo Instant Composers Pool, uno de los pilares del Movimiento Free Europeo.

Por suerte Han Bennink sigue siendo aquel niño que le saca ruido (y ritmo) a la batería, a las sillas o a un papel aluminio. Bennink nos regaló ayer una noche inolvidable a los no más de cien asistentes al Instituto de Neurociencias de La Jolla. El holandés descargó su furia y nos recordó que el buen Free Jazz es también performance. Para este artista todo se vale: el tacón sobre la tarola, las baquetas en la boca, tirarse al piso y hasta patear platillos.

Sin duda el concierto de ayer será recordado como uno de los mejores del año. Y es que juntar a tales luminarias en un mismo escenario no es cosa fácil. Mary Oliver (violín) es reconocida internacionalmente por sus trabajos a piezas de John Cage y  por acompañar a músicos del calibre de Evan Parker o Misha Mengelberg. Mark Dresser (bajo) durante diez años formó parte del cuarteto de Anthony Braxton y colaboró con Ray Anderson y John Zorn. Desde 1993 ha publicado discos como líder para el sello Knitting Factory, Tzadik y Cryptogramophone. Michael Dessen (trombón) es compositor y maestro en nuevas técnicas de creación musical.  Explora los alcances de la improvisación telemática, en la que varios músicos en diferentes espacios tocan al mismo tiempo a través de redes de Internet. Ha publicado con el sello Clean Feed, Cuneiform y Circumvention. Es profesor de la Universidad de Irvine California en donde imparte la maestría en Composición Integrada, Improvisación y Tecnología.

Y así, con estos cómplices, Han Bennink entregó lo que esperábamos: música libre de primerísima calidad.

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Pedro César Beas

Ken Vandermark/ Resonance Kafka in Flight (Not Two Records 2011)

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Vijay Iyer/ Tirtha (Act Music 2011)

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World Saxophone Quartet  /Yes We Can (Jazzwerkstatt 2011)

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Tigran Hamasyan/ A Fable (Emarcy 2011)

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Starlicker/ Double Demon (Delmark 2011)

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El oficio de reseñar discos no sirve de mucho. La música hay que escucharla. El único beneficio es que obliga a (re)escuchar, (re)pensar. Quizá las reseñas de discos no aporten nada a ciertas músicas, pero en el mundo del jazz libre, un mundo que le pertenece a seres extraños que por alguna no tan extraña razón tienen una apariencia psicótica y aspecto alicaído por haberse  empeñado en interpretar la música menos armoniosa, actitud ésta que resulta encomiable y heroica, no sólo porque hacer tales ruidos resulta extremadamente difícil  sino porque es indudable que no le interesan para nada al público, el escribir de estas sonoridades, ruido desquiciado para muchos, es la única forma de poner a estos trabajos sonoros en el lugar que les corresponde.

Algo que admiro y agradezco al colectivo de músicos italianos El Gallo Rojo es que han quitado lo solemne y el compromiso formal a la música libre. Dan la sensación que lo que importa en la música es lo que nos hace sentir y divierte. ¡Aceptémoslo! el jazz que durante años hemos consumido, ese jazz de libre creación, tiene siempre un tufillo, muy molesto, de arrogancia, superioridad y academia.

Uno de estos músicos italianos es el saxofonista Piero Bittolo, quien ha grabado con El Gallo Rojo Records, Splasch Records, Improvvisatore Involontario, NuBop Records o Caligola Records. Con la disquera, de base en Portugal, Clean Feed, publicó Jaruzelski´s Dream Jazz Gawronski (2010) acompañado de Stefano Senni en bajo y Francesco Cusa en batería. Este power/free/avant trío lo deja muy claro (o no) en el texto de contraportada: “…quien se tome el tiempo de leer estas líneas con la esperanza de  encontrar respuestas a las siguientes preguntas quedará decepcionado ¿Por qué Jaruzelski? ¿Qué tiene que ver Gawronski?….es un juego, una broma: toma cualquier tarde, enciérrate en un pequeño estudio de Venecia y graba en una cinta la cosa menos mala que pase por tu cabeza. Con claridad e ironía. La claridad del que no tiene nada que aparentar, sin cualidades qué defender. La ironía del que insiste en poner todo al borde y aceptar con una sonrisa la condición de improvisador…….esta es música para ser escuchada, no (re)explicada”

Piero Bittolo lidera su sexteto Jump the Shark y co-dirige Rollerball, un quintento de rock-jazz con Beppe Scardino en sax, Enrico Terragnolo en guitarra, Danilo Gallo en bajo y Massimiliano Sorrentini en batería. En 2011 Piero fundó un pequeñísimo y muy honesto sello independiente de nombre R´ufo. ¿Por qué R´ufo?  Así lo dice Piero “…porque Rufo es mi cuarto nombre y porque contiene las siglas UFO. Y sí, uno de mis gatos se llama Rufus, que significa rojo. El objetivo del sello R´ufo es publicar música sin la preocupación de publicar música” En R´ufo la misión es clara: tocar, grabar y ser escuchado. El sello independiente se inaugura con la  publicación Hard Clog 9 plays Sun Ra´s Space Is The place, el cual se puede adquirir a un euro el tema digital o si estás dispuesto a pagar diez te llevas un genuino CDR con portada de papel hecha a mano con técnica origami y el título escrito en plumón indeleble.

Piero es tan irreverente y desdeñoso como su música, un tipo ácido y políticamente incorrecto, un desorden que se desliza a través de la música y le da ese ansioso movimiento que la mantiene en un estado de eterno aplazamiento. Piero es un hijo del free jazz. Su música es humor negro para todos los días.

Pedro César Beas

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Enlaces:   PieroBittolo.com ///// RufoRecords //// ElGalloRojoRecords /// CleanFeedRecords

Hay una figura del saxofón de Paul Densmond que sigue sin gustarme. En los libros de historia del jazz se cuenta que fue el saxofón de Take Five el que cautivó los oídos de cientos de miles de fanáticos que compraron el disco Time Out (Columbia, 1959) Yo me sigo quedando con los baquetazos de Joe Morello. La suavidad con que toca los tambores en esta presentación en vivo, la dulzura con que acaricia el compás, la elegancia, el porte y el manejo de la mano izquierda, es algo así como hacer el amor a cinco tiempos.

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Take Five. Publicada en el disco Time Out (1959). Productor: Teo Macero

Dave Brubeck, piano. Paul Desmond, saxofón. E. Wright, bajo. Joe Morello, batería.

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La complicidad reúne solo a dos, aquí no hace falta nadie ni nada. Marco armado con lira acústica de alcances abiertos y expansivos,  así como el sapiente contrabajo que es dócil aliado en las manos de Aarón Cruz.

Los lugares a los que uno accede solo escuchando son paradisiacos y la dinámica implícita es una experiencia espiritual que diluye cualquier pre concepción y predicción en tema. Recursos de la más alta elite compositora,  y ese sentimiento que se vuelve la sustancia principal.

A diferencia de otras recomendaciones éste trabajo en particular amerita la experiencia propia, solo éste preámbulo y nada más; el resto es viaje individual.

Olvidaba una herramienta, el señor Aarón echa mano de un electro-acústico que te dice que sí puede colorearse el sonido, y te hace partícipe de sus matices.

Todas las composiciones y actividades asociadas por Marco.  Me quito el sombrero Amigo y desde este teclado te estoy mandando un fuerte abrazo.

Obertura

Jerusalén

Sco Blues

Intro (La Cruz)

La Cruz

Niño

El Cordero

La escalera de Jacob

Armagedón

Al otro lado

Algo que por añadidura hace esto aún más grande, es la existencia del Cd “Al otro Lado en Vivo”; aquí se une Arturo Hernández en la Bataca, y el saldo es…. Pos’ que les digo….

Marco Duran producciones – 2005 y 2006 respectivamente.

Marcodurangit@hotmail.com

Raúl Ulloa R.

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A Redman le he escuchado asuntos que van de lo sublime a lo intenso en muy poco espacio de tiempo y hablo de segundos.  Muchos de ellos  emprendedores sí, pero sin tanto afán de hallazgo, y otros tantos en la vereda conservadora de un acostumbrado desenlace.  Lo que viene a tema hoy es su hemisferio depegado, ese mismo, el volátil.

Les cuento todo, anoche regresabamos de la fiesta del Gallo aquí en Hércules, un centenario festejo local donde artistas manuales emplean madera, papel  y pegamento para crear los más tradicionales ó surrealistas gallos, que tienen como tiempo de vida lo que dure su baile en la calle principal, y el que llega en mejor estado, es  premiado, así como el de la inventiva más interesante; mientras uno acompaña la procesión, cada puerta, ventana y zaguán, es una oferta al paladar de platillos mexicanos hechos en casa y ofrecidos con mucho cariño por la gente vecina. Ya acostado y mi Esposa agotada,  antes de dormir abro la cava de discos añejados y la carismática portada del “Momentum” me llama la atención.  La pérdida de conciencia surgió cuando me acordé de quienes acompañaban a Joshua en este plato :

Me’shell N’degeocello (una de mis divas consentidas), el Flea de los Pepper’s, ella y él en bajos, Jeff Ballard, percusionista con bases clàsicas, big-bandosas y de vanguardia alcalina, integrante del cromàtico Herbie Nichols Project, asì como el viejo lobo Brian Blade que su tarjeta de presentación en mano es la baqueta, ¿sueño guajiro? NO, se asoma tambièn el ?uestlove de los Roots, harina de otro costal camaradas. Toma uno aire y pasa a recordar los de teclados, Sam Yahel diestro de Hammonds y Moogs los cuales hace llorar hasta la mèdula con su poesìa armònica muy poco explotada dentro del acid, post bop y avant funk (en esa necedad de algunos por etiquetarlo todo); digamos que Yahel se sustenta de los hemisferios màs amables de Medesky y Horvitz. Una lira a manos de Kurt Rosenwinkel gema de la nueva camada post –Scolfield y cerrando la imposible terna, el grandioso oriundo de Nueva Orleáns Nicholas Payton, magia descomunal en la trompeta. El anfitrión saxos varios, como se las gasta siempre.

La mezcla de instrumentos es idónea, prudente, màs no limitante para explayarlo todo; las texturas a experimentar son exquisitas y así llamar a éste uno de los trabajos màs equilibrados y disfrutables no solo de Redman , de la escena fusión de avanzada. En su año, mi disco favorito en estos lodos.

Desde la apertura con “Soundcheck” hasta el cierre “Showtime” el viaje es fenomenal, alegre, nutrido, insospechado y con una tendencia directa a saturar el seso para que pasados los días tenga uno esporádicos e identificables tarareos. Eso hay que agradecerle a este personajazo  que se destapa como cazador de sonidos raros que acumula en una caja de Pandora, y que a fin de cuentas sustenta lo que muchos músicos no logran aterrizar y los escuchas no terminamos por encontrar.

“MOMENTUM”

Nonesuch – 2005

Raúl Ulloa R.

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“Eleventh Hour” es una maquinación neuronal del doctor improvisación con invitados infectados (Electro-Acoustic Ensemble). Tal alquimia tiene su antecedente en la memoria y fue concretado bajo la directrìz montada en la consola; un estudio de grabación y sus herramientas fueron còmplices y aliados para hacer jugarretas y engañar al oído; el atrevimiento fue cuando  EVAN PARKER decidiò hacerlo en vivo; la proeza es que lo logrò.

En pleno festival del Les Instants Chavirés, en Montreuil Francia (1997), Don ezquizoide convocó a una tercia de conocidos solo dos años atrás; bien dicen que la vibra es inmediata y para el contubernio basta con un par de piezas improvisando. Sobre la mesa un plano de ejercicios acústicos que vía midi y diverso cableado se convierten en alternativas sonoras potenciales, fueron estas las bases de la voràgine que se avecinaba.

Lawrence Casserley, experto en señales digitales, loops y procesamiento de instrumentos, asì como Joel Ryan, nerd, hacker peligroso y maniáco electrónico de alto rango, se prestaron a la inquisidora idea de Parker de mal informar al cerebro y desconstruir lo gestado, pero de manera artística, dinámica y atractiva, negándose al experimento banal y al enajenadamente abstracto.

Parker al Sax soprano y Noél Akchoté en las seis amplificadas dieron vida al sonido, los tipos mentados arriba lo alimentaron, lo vieron crecer, desarrollarse y morir.

Lo más interesante es que los seis cortes de la grabación partieron de improvisaciones natas, nada preconcebido; Parker y sus nuevos amigos probaron habilidades como músicos (con álgidos, claro-obscuros y armónicos recursos), como físicos (con una tremenda habilidad para aliarse al segundero, cuidando que la métrica y el mismísimo tiempo no echaran a perder el festín) y finalmente como artistas (ya que negaron apostar a la tecnología pura, pugnando por la estética y la exploración de los espacios echando mano tambièn de instrumentos organicos y acùsticos). Estas maniacadas si se hacen con convicciòn, seso y de corazòn, crèanme que el discurso toma rumbo hacia buen puerto.

No puede escogerse un solo corte ò decidir sobre el mejor, todo es un pasillo de museo con piezas de extraordinaria orfebrerìa que ostentan su propio peso en la inscripciòn de sus creadores. De “Instant 1” a “Instant 5”, el trabajo es de aquellos que así se escuchen un millar de veces, siempre saldrà diferente chiste, juego ò machincuepa de la caja.

Evan Parker – Live at “Les Instants Chavirés”.

LEO Records 1998.

Raùl Ulloa R.

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Siempre habrá motivo para celebrar la nueva música. Cualquier excusa es buena, no hay nada más aburrido que pasárselo pensando que todo pasado fue mejor. Con la música hecha en Italia siempre he sentido una suerte de seducción a la que nunca he podido negarme. Hacer una lista de mis discos italianos favoritos resultaría en una tarea titánica. Mi obsesión por Michelangelo Antonioni me llevó a Giorgio Gaslini; mi coleccionismo desmedido de las obras de Miles Davis me hizo descubrir a Enrico Rava. El peregrinaje musical por fortuna regala frutos desconocidos y uno se enfrenta a  más música de la que se puede escuchar en una vida.

Así, un día, sin pensarlo mucho y sin esperarlo, descubrí la música de Danilo Gallo, un loco italiano creador de los más sofisticados, muchas veces ruidosos, ritmos bajos. Danilo es un bajista nacido en Foggia (1972) miembro fundador de El Gallo Rojo Records, un colectivo de músicos, poetas y artistas visuales que giran en la órbita de jazz. Danilo participa, como buen jazzista, en una infinidad de proyectos musicales que apuestan a la libre improvisación. Como líder abandera Gallo & The Roosters, una agrupación formada por expertos en el arte de estampar los más agresivos y nostálgicos sonidos del nuevo jazz europeo; Danilo Gallo en el bajo, Achille Succi en clarinete bajo, Gerhard Gschloessl al trombón y Zeno De Rossi en batería. Por suerte Danilo es un animal insaciable, escurre las notas de su bajo en infinidad de proyectos con texturas contrapuestas. Participa en The Humans, Guano Padano, Ovile Experience, Sparkle, Osmiza, Nesso G, The Crypt, Mickey Finn, Falsopiano, Blonde Zeros y RollerBall, este último acompañado del desquiciado saxofón barítono Beppe Scardino. Y como si no le fuera suficiente, Danilo Gallo aparece como sideman en las agrupaciones de Federico Squassabia, Alfonso Santimone, Piero Bittolo, Enzo Favata, Francesco Bearzatti y Enzo Carpentieri.

La música es adictiva y por lo visto Danilo es adicto a componerla y publicarla. De 1999 a la fecha Danilo ha grabado en setenta y seis álbumes. El más reciente:  Everything is Whatever, Gallo & The Roosters (El Gallo Rojo Records. 2011) Son a estos prolíficos músicos a los que siempre les estaré agradecido. Sentir y escuchar una nueva y golpeadora melodía es algo de lo que no podré cansarme jamás.

¿Qué disco escuchar de Danilo Gallo? Todos

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Discografía Oficial (1999-2011)

1. 1999 MICHAEL CHIELLA _Sogni e Variazioni _Alta Voce/Interbeat
2. 2000 ZIGANAMAMA_Ziganamama _Sottosuono
3. 2001 ANTONIO DI LORENZO_When the saints go marching out _Splasc(h) Records
4. 2002 ALEXIAN GROUP_Romano Drom Ethnoworld _Map/Venus
5. 2002 PALO ALTO_Music by and for Lennie Tristano & Lee Konitz _Panastudio Productions
6. 2003 PALO ALTO_Crash Test _Jazz’n'Arts Records
7. 2004 SHEIK OMAR SANOGO_The Chamber of Answers _SOS
8. 2004 TOMMASO GENOVESI QUARTET_Night Funk _Caligola
9. 2004 ALJOSA JERIC QUARTET_The Venice Session _Kuhna Records
10. 2004 STEFANO BENINI QUARTET_Fuori Servizio _Splasc(h) Records
11. 2004 GEE-GALLO-MINETTO_Cream of Mandarins _Artesuono
12. 2004 ALEXIAN GROUP_So me sinom Ethnoworld _Map/Venus
13. 2004 ANDREA MASSARIA NEW TIME TRIO_Giano _Artesuono
14. 2005 ELENA CAMERIN QUINTETTO_Grazie dei fior? _Caligola
15. 2005 TRIO…? BANDA VARIABILE DI INVENZIONE MUSICALE_Musicamondo _Fricom
16. 2005 ENRICO TERRAGNOLI ORCHESTRA VERTICAL_L’Anniversaire _El Gallo Rojo Records
17. 2005 MORENO DAPIT_Oltre la linea del tramonto _FIM/CISLM
18. 2005 MALECON_Todos Juntos _Alma Music
19. 2005 CRISTINA MAURO & Orchestra Canzoni di Confine_Incjant _Ass. Cult. Colonos
20. 2005 GALLO & THE ROOSTERS_Todo Chueco _El Gallo Rojo Records
21. 2005 ROOTLESS_Brian had a Little Plate _El Gallo Rojo Records
22. 2005 PALO ALTO_Compilation Relaxing Jazz _Jazz’n'Arts Records
23. 2005 GUALTIERO BERTELLI & La Compagnia delle Acque _Annicinquanta _Altro Cd
24. 2006 MAURIZIO CAMARDI ENSEMBLE_Impronte _Caligola
25. 2006 MICKEY FINN_Dudek! _El Gallo Rojo Records
26. 2006 BRUNO LAUZI_In Marilenghe _Numar Un
27. 2006 JESSICA LURIE ENSEMBLE_Tiger!Tiger! _Experience Magazine
28. 2006 DHYANA JAZZ PROJECT _Quintessenze _Caligola Records
29. 2006 ORCHESTRA CANZONI DI CONFINE _Ljubljana _Numar 1
30. 2007 ZENO DE ROSSI SHTIK_Me’ or ‘Eynaim _El Gallo Rojo Records
31. 2007 OSMIZA_Pop Gossip _Jazzengine/Jazzit
32. 2008 FRANCESCO BEARZATTI “TINISSIMA” _Suite for Tina Modotti _Parco della Musica Records
33. 2008 TOMMASO GENOVESI 4et _Never Knows _Caligola
34. 2008 STEFANO BENINI _Fortynine Forever _Catsound Records
35. 2008 ZOOM _Yolk Records
36. 2008 ROLLERBALL _La clinica del Rasoio _El Gallo Rojo Records
37. 2008 MASSIMO CARLOTTO/MAURO PALMAS/MAURIZIO CAMARDI _Cristiani di Allah _Edizioni E/O
38. 2008 REMO ANZOVINO _Tabu’ _Odd Times Records/Egea
39. 2008 ANDREA MASSARIA NEW TIME TRIO _Tra Apollo e Dioniso _Artesuono
40. 2009 ENZO FAVATA “THE NEW VILLAGE” feat. TENORES DI BITTI_Tradition in Transition in Sardinian Music _DVD _Jana Project/Sardinia
41. 2009 FAZZINI_GALLO_U.T. GANDHI TRIO _We See _Anelli Records
42. 2009 MAURO OTTOLINI SOUSAPHONIX _Cam Jazz
43. 2009 MICKEY FINN + CUONG VU _Gagarin! _El Gallo Rojo Records
44. 2009 GALLO & THE ROOSTERS + GARY LUCAS _The Exploding Note Theory _El Gallo Rojo Records
45. 2009 PIERO BITTOLO BON “JUMP THE SHARK” _Sugoi Sentai! Gattai!! _El Gallo Rojo Records
46. 2009 GUANO PADANO _Guano Padano _Important Records/Tremoloa
47. 2009 PIETRO VALENTE 4ET _Tales from the Far East _Circolo Jazz Verona
48. 2010 RICCESI ZANONER 4ET _Night Ways _Riccesi/Zanoner
49. 2010 NESSO G _Nesso G _Punto Rojo
50. 2010 Compilation w/ AMORE RIBELLE & LI BELLIZZI _Cori Antagonisti di Protesta _Macaco Records
51. 2010 Compilation w/ FRANCESCO BEARZATTI TINISSIMA 4ET _Top Jazz/Musica Jazz
52. 2010 BLONDE ZEROS _God Fried Finger _El Gallo Rojo Records
53. 2010 SPARKLE + ANDY MIDDLETON _Playing Tricks _ZeroZeroJazz
54. 2010 U.T. GANDHI _Plays Weather Report Music _Artesuono
55. 2010 SIMONE MASSARON _Folksongs from the Empty House _Punto Rojo
56. 2010 ALESSANDRO FIORI _Attento a me stesso _Urtovox
57. 2010 GIORGIO PACORIG & DANILO GALLO ZWEI MAL DREI _We Hope We Understand! El Gallo Rojo Records
58. 2010 CLAUDIO COJANIZ N.I.O.N ORCHESTRA _Howl _Caligola Records
59. 2010 ZENO DE ROSSI SHTIK _The Manne I Love! (Vol.1 & Vol.2) _El Gallo Rojo Records
60. 2010 GUIDO SANTONI _Inside a Dream _Artesuono
61. 2010 FRANCESCO BEARZATTI TINISSIMA 4et _X (Suite for Malcolm) _Parco della Musica Records
62. 2010 FEDERICO SQUASSABIA WALKABOUT _Songlines _Trovarobato Parade
63. 2010 MAURO OTTOLINI ‘SOUSAPHONIX’ _The Sky Above Braddock _Cam Jazz
64. 2010 SIMONE GUIDUCCI _Django New Directions _Trj Records
65. 2010 ALFONSO SANTIMONE LASER PIGS _Ecce Combo _El Gallo Rojo Records
66. 2011 PRIMUS SITTER _Werkstatt 03-10 _Ats Records
67. 2011 THE CRYPT _The Bisiakistan Renegades (Act I) _Punto Rojo Records
68. 2011 APOCALITTICI DISINTEGRATI _Addosso! (compilation) _Ribess Records
69. 2011 MAURIZIO CAMARDI _Radiomondo _Blue Serge
70. 2011 FALSOPIANO _8888 _El Gallo Rojo Records
71. 2011 THE HUMANS _It’s Nine o’Clock _El Gallo Rojo Records
72. 2011 ANTONIO TOSQUES 4et feat. MIKE MELILLO _Block Notes _Dodicilune
73. 2011 GUANO PADANO _7″ _Tremoloa Records/Bronson produzioni
74. 2011 Enzo Carpentieri CIRCULAR E-MOTION feat. Rob Mazurek _Everywhere is Here _ZeroZeroJazz
75. 2011 Piero Bittolo Bon JUMP THE SHARK _Codename: Ohmalut _El Gallo Rojo Records
76. 2011 GALLO & THE ROOSTERS _Everything is Whatever _El Gallo Rojo Records

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Visita: DaniloGallo.com

Pedro César Beas

Casi todos los discos LP tienen al final un locked-groove, un loop de silencio que impide a  la aguja resbalar hacia la etiqueta central del disco. Sin embargo, es posible grabar audio en el locked-groove y generar  un sonido eterno, sin principio ni fin. Para el jazz, el vinil Escalator over the Hill es uno de los mejores ejemplos de elepés con música grabada en el locked-groove.

Escalator over the Hill de Carla Bley será siempre uno de mis discos favoritos, la primera ópera jazz con más de dos horas de música compuesta en un periodo de tres años. El álbum fue lanzado como un set triple de elepés en 1971 donde el lado seis de la edición original remata la obra con un loop eterno.

Así suena Carla Bley:

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¿Que tienen en común individuos como Michael Brook, Chris Minh Doky, Marc Ribot, David Torn, Robert Fripp, Holger Czukay, Shree Maa, Ruichi Sakamoto, Nils Peter Molvaer, Bill Fisell, Bill Nelson, entre otros que por tiempo espacio omito?

Actualmente la nueva centuria ha sido testigo de un equilibrado y aterrizado empeño que llevó a John Scofield y compañía a soportar con clase las marañas del pentagrama de Mark-Anthony Turnage, en la secuela de “Scorched”, proyecto que en vivo ha cautivado a los más exigentes escuchas del continente viejo.

Una tendencia que hizo diferencia y se volvió una constante, es sin duda la ecléctica trayectoria del profesor Joe Zawinul, a quien en este momento rindo tributo y externo el pesar de no escuharle en las andanzas que ahora estaría destapando. En Paz descance.

No solo el mítico instrumentista y compositor, es también  visionario estético e ilustrador sonoro de cualquier cúmulo de alternativas que en conjunto hicieran más disfrutable una fusión. Me fascinan sus músicas y siempre lo encuentro como un referente para seguir siendo presa de ese factor sorpresa.

Legítimamente bautizada como “Stories of the Danube” el genio detrás de Weather Report y Zawinul Syndicate se vuelca como creador absoluto de la obra, a diferencia de quienes suelen hacer mancuerna para potenciar el resultado.

Largo proceso culminado en 1996, el espíritu estriba en dar vida a un perfecto híbrido de seminal jazz y el romántico estilismo de la música sinfónica, con un alma de arraigo tradicional en músicas de la Europa central y la región circundante tri-continental de influencia Otomana, ilustrando periodos definidos por la historia en una labor de intrínseco mosaico que jamás será sencillo encajar en modernidades sonoras, menos aún cuando el saldo es tan bondadoso.

Confieso me resulta difícil resumir y más destacar la cantidad de recursos todos que reúne éste disco, que van desde maravillosos textos y líricas históricas esparcidas por voces tan adiestradas y desconocidas (al menos para mí), y musicalmente una directriz basada en la improvisación y desembocadura en movimientos pincelados con la entraña; el saldo es magistral y nuestros cinco sentidos se ven premiados, sí por que aquello también huele a río y a lodo y sabe a zumo de patlican.

Háganse de esto; desde ese arranque la experiencia de buscar un disco es fascinante. Ya en casa, y sentados frente al aparato lo que sigue es vivencia propia; el buen sabor les durará largo tiempo y cuando sea necesario el repaso, la experiencia será cual nuevo relato. Fascinante y envolvente.

Contenidos :

1 – The BEGINNING :
In the Depths of the Forest a Spring Wells up: A River Is Born.

2 – MOUNTAIN WATERS :
Waterfalls of Melted Snow Cascade into the Young River.

3 – EMPIRE :
An Impression of Life in the Reign of Emperor Franz Joseph at the Turn of the Century.

4 – Introduction / GYPSY :
History of a Free People Withouth a Home.

5 – VOICE of the DANUBE :
On the Riverbed, an Imposing Rock Watches History Flowing By.

6 – UNKNOWN SOLDIER :
A Stream of Blood and Violence: The Second World War.

7 – Introduction / SULTAN :
900 Years of Ottoman Empire.

FINALE :

The Nations of the Danube Celebrate Peace.

Joe Zawinul : Teclas varias, solos y vocales.
Amit Chatterjee : Guitarras, vocales e improvisaciones.
Burhan Õcal : Ud, percusiones e improvisación en voz.
Arto Tuncboyaciyan : Percusiones variopintas y vocales.
Walter Grassmann : Set de Bataca.

Czech State Philharmonic Orchestra Brno
Dirigida por: Caspar Ritcher .

Increíble la cantidad de gente y medios involucrados en el proceso. Benditos booklets.

Philips Producciones. Dato primordial para la cacería.

Raúl Ulloa R.

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Para coleccionar discos siempre habrá más de mil pretextos. Podría decir que colecciono discos por sus portadas, porque las carátulas de los discos siempre se verán mejor en cartón que en una pantalla. Colecciono elepés porque adoro el momento en que me pongo a husmear de arriba abajo el estante y pienso y re-pienso cuál de todos los discos debo de poner bajo la aguja. Gasto mi dinero, invierto debí decir, en viniles, porque todos sabemos que suenan mejor que un cedé. Los colecciono porque cada disco es una combinación muy curiosa de instintos, desde los más delicados hasta los más vulgares y desde los más espirituales hasta los más primitivos. Colecciono por egoísmo grotesco, porque me gusta acumularlos y ordenarlos por disquera, por año, por bandas y por países. Colecciono porque viví una adolescencia en la que para escuchar música tenía que ahorrar unos billetes, ir a una de las dos tiendas que vendían música “rara” y regresar a casa, emocionado como un niño, a tocar el disco mientras leía en la contraportada las letras de las canciones, el año en que se grabó y hasta los créditos de producción. Colecciono discos porque mi memoria tiene muy buen tino para fotografiar el momento en el que adquiero uno -puedo recordar quién me acompañó a comprarlo, quien lo escuchó conmigo o a quién corrí para contarle las maravillas que salían por las bocinas al correr de la aguja- Colecciono discos porque siempre he soñado con un cuarto dedicado a la música, uno de esos que llaman music room, con paredes cubiertas de discos, cómodos sillones y el mejor equipo de sonido. Colecciono discos porque antes de que todo se buscara en Internet las contraportadas regalaban información, como aquella re-edición que contaba como Albert Ayler fue encontrado muerto en el East River de Nueva York.

Dicen que el coleccionista de discos es una especie en extinción, cosa que yo también creía cierta hasta la semana pasada que visite la tienda de discos Amoeba en Los Ángeles. Sí, aquella tienda en la que gasté mis ahorros comprando cedés y que ahora luce orgullosamente sus filas y filas de discos de vinil: nuevos, usados, originales y re-ediciones.

En Amoeba, en pleno 2011 y justo cuando pensábamos que todos estaban en sus casas pegados al computador escuchando archivos digitales y peor aún, escuchando discos en YouTube, la gente se pasea por los pasillos en busca de su disco favorito, cazando esa joyita rara y perdida. En Amoeba siempre te pasará lo mismo que en un burdel, te faltará dinero y te quedarás con ganas.

Antes que nada estamos ante un disco que en esencia tiene la más sólida personalidad musical, y como no habría de tenerla si fue gestado en las más profundas marañas nocturnas de un personaje como Robert Wyatt.

El tipo continúa prescindiendo de las formas clásicas y sus sonidos desprovistos de todo elemento ordenador fluyen de la manera más íntima y viceral, lo que responde a un problema de estética, la misma a la que Wyatt le impone una autodestrucción dados sus anquilosamientos irremisibles y define como corriente propia a otra, que sin duda se mueve a una objetividad paralela a su personalidad y a sus peculiares vivencias.

Ninguna otra confrontación había generado tal cantidad de desencuentros y estragos entre los hardcore-progresivos que fungen como inquisidores de cualquier aberrante acto de experimentación ajeno a la paramétrica y convencional esencia Progresiva. Máxime aquí, que se trata de un evento conceptual, sí, pero meramente teatral y de una colorida plasticidad que logra percibirse tan solo a través de los oídos.

Pa’ acabar pronto, se trata de uno de los álbumes más sublimes e interesantes (dadas sus fotográficas secuencias) que haya yo escuchado en los últimos tiempos; y que si tiene un valor primordial es precisamente el situarse ajeno a etiquetas y vertiente definida.

El interés de su autor por el aspecto lúdico y por expresar ideas y conceptos extra musicales, es tremebundo y de una exquisitez no experimentada comunmente por el escucha. En este sentido cabe hablar de contrastes entre todas las composiciones, mismos que enriquecen la consigna, y a la par puede percibir uno ese deseo de hacer propia una tradición creativa y composicional, que por fortuna esboza ya el móvil de sus próximos trabajos.

El siguiente paso de la reseña comprendería un análisis anatómico y con pulso de cirujano (que bien lo amerita) hacia cada uno de los temas de éste disco, sin embargo estoy convencido de algo mejor, y es que cada uno de ustedes interesados en darse a la tarea de buscar éste álbum, al correrlo en la tranquilidad de su espacio favorito, se verán inmersos en una experiencia única, obra de su propia sensibilidad, ello sin ninguna guía y adelanto previo.

Nunca olvidar que Robert es un compositor de fuste y una cabeza pensante como no ha habido muchas en esto de mantenerse a la altura, siendo un auténtico Dinosaurio de una era de opulencia que no volverá a repetirse.

C O M I C O P E R A :

Act One: Lost in Noise

“Stay Tuned” (Garbarek) – 3:49
“Just as You Are” (Benge/Wyatt) – 4:21
“You You” (Benge/Wyatt) – 4:22
“A.W.O.L.” (Benge/Wyatt) – 2:56
“Anachronist” (Wyatt) – 3:28

Act Two: The Here and the Now

“A Beautiful Peace” (Wyatt/Eno) – 2:27
“Be Serious” (Wyatt) – 2:56
“On the Town Square” (Wyatt) – 5:26
“Mob Rule” (Wyatt) – 2:16
“A Beautiful War” (Wyatt/Eno) – 2:40
“Out of the Blue” (Benge/Wyatt) – 3:41

Act Three: Away With the Fairies

“Del Mondo” (Ferreti/Zamboni/Maroccolo/Magnelli/Canali) – 3:29
“Cancion de Julieta” (Lorca/Wyatt) – 7:32
“Pastafari” (Robinson) – 4:37
“Fragment” (Benge/Wyatt) – 1:38
“Hasta Siempre Comandante” (Puebla) – 4:37

Responsables :

Robert Wyatt – voice, piano, percussion, trumpet, cornet, old metronome, keyboard, karenotron (voice of Karen Mantler), Enotron (voice of Brian Eno), pocket trumpet, monicatron (voice of Monica Vasconcelos)
Brian Eno – keyboards, effects
Seaming To – voice, clarinet
Annie Whitehead – trombone, baritone horn
Yaron Stavi – bass violin
Monica Vasconcelos – voice
Paul Weller – guitar
Gilad Atzmon – saxophones, tenor saxophone, clarinet
Jamie Johnson – bass guitar
Dave Sinclair – piano
Phil Manzanera – guitar
Del Bartle – guitar
Orphy Robinson – steelpan, vibraphone
Chucho Merchan – bass violin
Maurizio Camardi – saxophones
Alphonso Santimone – piano, keyboards
Alessandro Fedrigo – bass guitar
Paolo Vidaich – percussion
Gianni Bertoncini – drums

DOMINO RECORDS.

http://www.dominorecordco.com/

Raúl Ulloa R.

El “Swing”. Mis primeros pasos, mis primeras palabras, tuvieron una música de fondo; todo aquello se desarrollaba de una manera tan especial y ya con uso de razón comprendí que muchos momentos importantes entre él y yo, entre los cuatro, mi Madre y mi Hermana y en la soledad de un instante cotidiano fueron muy gratos no solo por esencia, casi siempre había una frecuencia con vida propia en el aire, que en el cien por ciento de los casos tornaba todo más lúcido, hacía de ese todo un contubernio.

Discos de 72 revoluciones, albums de pasta dura y melodías que salían del Clarinete, de una Trompeta y de un Piano, vaya y de otras decenas de portadores, eran también parte del decorado de nuestra casa; así pues el “Artistry in Rythm” de Stan Kenton, los “Tympany Five de Luis Jordan, y todos los editados hasta ese momento de Artie Shaw, me servían también físicamente de entretenimiento, aunque siempre bajo reglas puntuales y definidas, un tanto complejas para mi corta edad.

“Big Band”. Pasaron los años y las charlas de un Sábado en la tarde entre mi Viejo y yo, se convertían en ese estira y afloja sobre el orden y el turno prioritario para un Lionel Hampton, el Tommy Dorsey ó Mr. Amstrong sí, el mítico Loui. Al final casi siempre ganaba Benny Goodman, el consentido de quien jerárquicamente mandaba, pero que en más de las veces daba su brazo a torcer para que yo me enfilara, y así su rostro de gusto al verme entusiasmado, ese, siempre el mismo e inmensamente expresivo, aquí lo traigo ahora y me lo llevo a la tumba.

Llegó el momento en que un personaje nos llevó a empatarlo todo y en el que unimos fuerzas para hacer de tertulias kilométricas, momentos que parecían fugaces dejando esa sensación de que nada es suficiente; GENE KRUPA, el mejor de todos los tiempos, lo sigo pensando y mi comparsa se fue afirmándolo con sustento. En lo dicho adorado mío, seguimos de acuerdo.

Esa tarde que vimos el VHS de la Historia de KRUPA, las escenas con Sal Mineo y la voz narradora de Bellson, carajo!, Padre como te he extrañado en el camino….

Mi trance de infancia a la adolescencia vio de frente otras alternativas que también me atraparon, y bueno, mi historia con el Rock es asunto para otro día, que lo de ahorita es el tributo al que fue, es y será mi mejor Amigo, y a quien me enseño como elevar mi imaginación y respirar un mejor aire, uno inmejorable.

Hubo un momento cúspide, tenía que haberlo por DIOS; y ese fue cuando mi nuevo héroe, un tal Neil Peart de habilidades indiscutibles, se sentaba en un kit igualito al de Buddy, ¿te acuerdas?; levantaba las baquetas y sucedía lo impensable, lo ansiado en el subconsciente, volvían a unirse nuestros decantos y una vez más para siempre.

Mi vitamina de al menos una vez al día, mi distractor para despegar los pies del piso cuando más urge, y el simple placer de hacer lo que traigo desde el fondo, está en estas Benditas músicas de enormes orquestas y no de cuartetos y duplas, de coloridas paletas y abanicos gigantes, y no de limitantes modernas y mercadotecnias interferentes. Amo el Jazz, pero más el de esta estirpe y como a ninguna otra vertiente. ¿Por qué se los platico?  por que me hace bien el hacerlo y ya que también es secuela de esa enseñanza que garantiza una sonrisa cuando otro afín se goza con lo mismo.

En este momento suena conmigo el “Basie Swingin’ Voices Singin’” de Count Basie y levanto mis brazos para darte las gracias por todo Papá. Ahora habré de experimentar la maravilla de estar en el otro asiento, a divina seguridad que estarás al pendiente…. y sin duda alguna disfrutando.

R.U.

Tigran Hamasyan – piano
Ben Wendel – sax
Nate Wood – batería
Sam Minaie – bajo
Areni Agbabian – voz

Pensar en un festival de jazz contemporáneo con tintes postbop y avant garde en la ciudad de Los Ángeles siempre me resultará tentador. Lo especial del Festival de Jazz Angel City no es sólo la impecable línea sonora que maneja, lo cual ya es de agradecerse, sino la calidad de los músicos en su nómina; el solo hecho de reconocer en su lista al pianista armenio Tigran Hamasyan es para exaltarle las pasiones a cualquiera ¡Qué fácil es dejarse llevar por los sonidos que escupe el armenio en compañía de sus ruidosos cómplices! No lo voy a negar, con Tigran tenía mis reservas. Siempre lo reseñan como prodigio del piano, virtuoso del instrumento, adjetivos que ocultan la poca sustancia de músicos cegados por teorías y técnicas propias de Conservatorio. Con el joven armenio la cosa es distinta, no sólo es todo eso que dicen que es, sino que el loco éste vive una relación intensa y bizarra con su instrumento: lo acaricia a ratos y en otros se le lanza encima y lo castiga con una exaltadísima ira.

El espectáculo de Tigran y su quintento es perfecto. Sí, lo sé, parece que estoy exagerando, pero… ¿qué esperaban leer de melómano que pasó su sábado con los oídos y el corazón bien abiertos, recibiendo una grosera dosis de jazz nuevo e intenso, en uno de los espacios más bellos de la ciudad de Los Ángeles en donde el fondo del escenario se cubre con un monumental y erguido árbol ciprés?

El Festival de Jazz Angel City es una bocanada de aire fresco para el jazz de propuesta. Con sólo cuatro ediciones se está consolidando como el espacio perfecto para mostrar a innovadores jazzistas comprometidos con la música original. El mayor atributo del festival radica en la firmeza y claridad de su propuesta sonora, apostando por un jazz que se aleja de los standars para embarcarse en los mundos de la libre improvisación. En 2010 se vistió de gala con Wadada Leo Smith, John Abercrombie, Ravi Coltrane y Kneebody. En 2011 el festival nos regaló las composiciones de Tigran Quintet, Rudresh Mahanthappa, The Necks , The Kandinsky Effect, Satoko Fujji y la leyenda del Art Ensemble of Chicago, Roscoe Mitchell.

Pedro César Beas

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Links:

Tigran Quintet en el Angel City Jazz Fest (videoaficionado)
Angel City Jazz Fest (calendario)
Tigran Hamasyan(página oficial)

fotos: Myles Regan

El móvil fue un viaje de trabajo, de aquellos que se agradecen por siempre y si bien era de placer, la agenda trazada por las cabezas no permitía ningún desliz, bueno casi ninguno.

Deambulando frustrado tras una fallida intentona por ver a Wayne Horvitz en carne y hueso,  culpa de la mentada agenda, sigo caminando y babeando por la belleza del entorno, en eso se me cae una moneda al suelo y al recogerla levanto la mirada y me topo con un cartel mal pegado y desgastado por el clima. “Of Whales an Woe” Tour; ya masticada en la mente una portada sobre un disco recién salido, ello me hace chispa y efectivamente se trataba de LES CLAYPOOL, sí, el monstruoso instrumentista y compositor de distorsionadas realidades. Idolo de juventud y un referente consentido para siempre.

Murphy una vez más dicta sentencia para el caso, una cena de gala a manera de clausura de aquellas que en el protocolo llevan el hastío a niveles insospechados es justo a la hora de la cita del buen Les y su servidor. No hay tos, pienso,  y me aplico ese viejo truco de imaginarme en la cima de lo ansiado y sin consecuencias, en frase  mundana más vale pedir perdón que permiso. La hora de la cena, introducción eterna, una temrpana explosión del grupo latino que ameniza con covers de un mundo que desea uno ya extinto, y sucede lo inevitable, no hay otra que tirarse al suelo, salir pecho tierra y pese a la corbata, el zapato bostoniano, el bastón, el monóculo , y la incomodidad que esto conlleva, la historia estaba escrita. Bueno, comenzaba a escribirse.

La entrada al supuestamente modesto Bar anunciaba hecatombe y si bien unos dedicados “Rasputina” calentaban la olla, nadie imaginaba lo que a pocos minutos sucedería en ese atascado inmueble. Más de 2000 enajenados entusiastas.

Se enciende luz tenue y en un parpadeo, el monstruoso Claypool sin agua va, con la mano derecha hace volar la tapa de los sesos de todos los que estábamos ahí, en lo que sería una de las noches interpretativas más impresionantes y fascinantes que haya yo experimentado.

Gabby La La, la oriental del colectivo, cargaba tremenda Sítara que hacía sonar cuando el ambiente era apto (eso se agradece) y su saldo fue creciente. Un Sax tenor se hizo cargo de amedrentar a los oídos más castos (que no había ninguno, esa es la verdad) en una verdadera cátedra de improvisación y buen gusto por lo impuro, incluso un delay solapaba las frecuencias más abrazadoras  de aquel novel Skerik . Percusiones a pasto, el primer set encerraba a Mike Dillon diestro absoluto de los Vibes y el Xilo, también hizo uso de la magia que ostentan juguetes  como el dumbek, tablas y tanto madero emparchado; cabe mencionar que una atinada vía midi como salida encerraba aquellos hipnóticos sonidos en una burbuja  nunca antes vista (y hablo por mí), una bestia éste tipo. Finalmente el set de bataca de otro tremebundo desconocido, me distraía mucho por su brutal independencia, misma que nunca desentonó en el paquete completo que ofrecía Don Claypool en su nueva faceta de emprendedor solista.

Describir los quehaceres del ex-Primus, Sausage, Oysterhead, Frog Brigade y Bernie Brainchero creador, es imposible y más aún montado en un teclado. Una lección de alcance humano fue aquello en primera instancia y dando paso a una prueba fehaciente de que el recurso material es un mero pretexto, lo que se aterriza y transmite de esta forma, solo se trae en la química del cuerpo y se nace con ello. Salió para “Nothin Ventured” con una máscara de simio y un palo de madera con solo tres cuerdas, una jaladora de pozo como amarre y un arco de chelo, para hacer sonar aquello como nunca, ni por asomo alguno imaginamos, incluso en varios temas armado de un Up-Right  y su camuflaje de Elvis, dio cuenta de una técnica sobrenatural, de un gusto en la creatividad indescriptible, pero sobre todo de una entrañable comunicación sonora no solo con sus comparsas de tarima, igual con aquellos que le rendimos pleitesía. Hubiera pagado por que vieran las caras de quienes por azares involuntarios del destino ahí estaban y se les develaba aquello como a un pirata de mar la tierra firme.

Una noche de magia Zappezca, de atroces onduras funk , de un encuentro real y palpable con culturas audibles que solo pueden encontrar paraje en libertades jazzeras y  post-bopianas, disepensen y acéptenme el término.

Concluyo el compartirles esta experiencia con un “Larga vida al CLAYPOOL y a su incansable necedad de darle forma y sonido a todo lo que le atormenta en sus peores noches de pesadillas”.

Vancouver B.C., Commodore Ballroom, siempre en mi memoria. Yo, el afortunado “Cagón”.

Acartonada  y colorida presentación de la Prawn Song Records el disco “Of Whales an Woe” y un bastardísimo registro en video “Live Summer 2006 – A Fan’s Perspective”, lo único que sustenta en cierta forma todo lo descrito allá arriba, pero no me hagan tanto caso, finalmente las versiones de película saben mejor cuando personalmente te sometes y sacas tus propias conclusiones. Prueben a Claypool entonces, ese si es un deber mis amigos.

Raul Ulloa R.

Casi veinte años atrás un compañero de secundaria me prestó un casete con varios temas de The Beatles. Quedé tan fascinado que no lo sacaba nunca del walkman; lo escuchaba todo el tiempo: montado en el taxi camino a casa, en mi recamara y en el taxi camino a la escuela. A Roberto le encantaba decirme que The Beatles era mejor banda que The Doors. Yo le repetía, aunque nunca lo entendió, que Break On Through estaba adelantada a su época. Y lo que pasa es que el tiempo avanza y uno se pone muy avant garde y descubre el sonido de Albert Ayler y se entera que “The Dark Side Of The Moon” en verdad es maravilloso. Y así, con esa aspiración a lo inacabable uno nutre su coleccionismo irreprimible.

El buen Piri dice que “Pet Sounds” (The Beach Boys) se tiene que escuchar en Mono y quien lo escucha en Stereo es un pendejo. Recordando semejante máxima recordé también que The Beatles suena mejor en Mono. ¿Por qué? The Beatles grabaron su catálogo completo en sólo siete años, de 1962 a 1969, periodo en el que estaba cambiando la forma de escuchar música grabada en casa: de una bocina a dos. A principios de los años sesenta los discos elepé en Stereo eran publicados en pequeñas cantidades mientras los discos en Mono seguían siendo la regla. En aquellos años los discos mezclados en Stereo venían con una explicación impresa de cómo acomodar las bocinas, dónde sentarse y que modelos de aguja para tornamesa usar. The Beatles, y muchos otros grupos de los años sesenta, optaron por publicar el mismo disco en dos versiones: Mono y Stereo. Después de grabar las canciones, la mezcla (el proceso que trata de conseguir una ecualización que separe lo más posible las frecuencias de cada instrumento entre sí, para que al final sea más fácil distinguir las distintas señales cuando se está oyendo todo en conjunto) se hacía, para cumplir con el estándar de la industria, en Mono; es en esta mezcla Mono en la que los cuatro Beatles metían mano; las mezclas Stereo se hacían semanas, incluso meses, después y eran responsabilidad de los ingenierosde sonido, sin importar la opinion de los cuatro chicos de Liverpool. Es por eso que para los puristas el sonido Mono es el auténtico sonido Beatles. Y no hay que ir muy lejos para encontrar las diferencias en su catálogo Mono y Stereo: en 1962 publicaron el sencillo (Mono) “please please me”; en 1963 “please please me” fue lanzado en su primer LP homónimo, sin embargo la mezcla para el LP, a diferencia del sencillo de 1962, se hizo en Stereo y el nuevo master mostraba un claro error en el“interplay” vocal de Lennon y los coros de Paul y George. Las diferencias entre Mono y Stereo más acentuadas se dan enel disco doble “The Beatles”, conocido universalmente como “The White Album” (el último disco en ser publicado en dos versiones: Mono y Stereo, a partir de éste todo se mezcló sólo en Stereo) Estas diferencias son a causa del uso, en la mezcla, de la cinta de grabación para crear efectos; por ejemplo: el sonido de avión en “Back In The USSR” es distinto en tono, profundidad e intensidad al comparar la mezcla Mono con la Stereo. Y así, miles de datos inútiles que cuando no se es un descarado melómano, importan nada.

La caja “Beatles In Mono” está en mi casa y hacen deliciosa esta tarde. No he parado de escucharlos, tal como lo hacía en la secundaria. Escuchar a The Beatles es un acto hedonista; lo mismo cuando escucho a Miles Davis o algún disco Blue Note. Cada que pongo un elepé bajo la aguja entiendo menos cómo tantos pueden vivir sin el placer que da la música. Todavía recuerdo la primera vez que escuché el Álbum Blanco, sentí casi lo mismo que cuando tomé de la mano por vez primera a mi noviecita de secundaria. O el día aquel que descurbí “Larks´ Tongues In Aspic” (Crimson); “Space Oddity” (Bowie); “A love Supreme” (Coltrane) Hay días que me preguntó qué carajos tienen estos discos que me gustan tanto. No tengo idea y no me interesa saberlo.

Pedro César Beas

playlist:
Sun Ra-The Futuristic Sound of Sun Ra (Savoy. 1961)
Sun Ra -Ra to the Rescue- (Saturn. 1983)
Sun Ra -Angels and Deamons at Play- (Saturn/Impulse. 1965)
Sun Ra -Lanquidity- (Evidence. 1978)
Sun Ra -Sound of Joy (Delmark. 1968)
Sun Ra -My Brother The Wind Vol II- (Saturn. 1971)

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La discografía de Sun Ra es una de las más grandes en la historia de la música. Más de cien LPs con poco más de mil temas compuestos por Sun Ra y su Arkestra.